Maylis Paris e Lauréane Guerin, due artiste visive amiche di lunga data, si esprimono insieme sul tema emblematico del Giardino dell'Eden. Entrambe hanno studiato il corpo umano nei loro rispettivi corsi di studi e hanno arricchito le loro prospettive estetiche con il loro amore per il colore e i materiali. Insieme, fanno emergere la loro visione e vocazione comune. Infatti, sebbene i loro linguaggi siano diversi, è dalla stessa sostanza che emerge la loro passione. Questa mostra, Garden of Eden, è uno sviluppo del tema dell'età dell'oro originaria, quando, secondo molte tradizioni antiche, uomini e donne vivevano in un giardino delizioso in armonia con la natura. Questa bellezza di origine divina, il cui scenario merita di essere glorificato, dà origine a una ricerca sempre nuova di bellezza e armonia, la cui eco lontana si sente ancora nel profondo delle nostre anime. Due artisti con la passione di contemplare la bellezza della natura ci immergono in un mondo di equilibrio e pace. Maylis Paris è un'intagliatrice che vive e lavora in Francia, vicino a Tours. Con un bagaglio variegato che coniuga beni culturali e design, oggi lavora fianco a fianco in entrambi i campi. Quando non lavora al restauro del patrimonio francese, su progetti come il tetto della Cattedrale di Notre-Dame o il Castello di Versailles, si concentra sui propri progetti. Lavora sulla rappresentazione figurativa e ha prodotto molte opere con soggetti religiosi. Ciò che colpisce del suo lavoro è una certa ruvidità mista a delicatezza, che le permette di catturare l'essenza del soggetto con pochi colpi di sgorbia o di pennello. Lauréane Guerin, laureata presso la Scuola di Belle Arti di Grenoble, dipinge e scolpisce una natura femminile. I suoi disegni riecheggiano il caos originario della vita sulla Terra, sepolto in ogni donna. Disegna l'impronta lasciata dal vento nelle foglie e i suoi fiori hanno la forma dei frutti difesi. La storia racconta che il mondo ha origine da un fico e non da una mela: è in questo caso che Lauréane trasfigura la passione cristica ai frutti della passione. Le sue pesche hanno un sapore sensuale. La sua ossessione per la rappresentazione del corpo l'ha portata a sviluppare una pittura soft che trasforma la pelle in peccato originale

L'impatto della tecnologia sull'espressione artistica e sulla creatività testimonia la natura in continua evoluzione dell'arte. Con l'evolversi della tecnologia, si ampliano anche le possibilità di creare e vivere l'arte. Se da un lato la tecnologia comporta sfide e solleva domande filosofiche sulla natura dell'arte e della creatività, dall'altro offre opportunità senza precedenti di innovazione ed espressione. Nell'era digitale, la fusione tra tecnologia e arte non solo è inevitabile, ma è anche una forza trainante per l'evoluzione dell'espressione creativa. Le possibilità tecniche in costante evoluzione portano a un cambiamento permanente nell'arte. Offrono all'arte sempre nuove possibilità di espressione. Storicamente, l'arte si è evoluta soprattutto con l'avvento delle nuove tecnologie. Quando l'arte e la tecnologia si incontrano, due mondi molto diversi si fondono. Uno stimola le idee creative e può aprire un mondo sconosciuto. L'altro riassume i requisiti definiti. Nel corso dei secoli, con ogni progresso tecnologico, anche i metodi e gli stili artistici sono cambiati notevolmente. Di volta in volta, gli artisti si sono appropriati di questi strumenti dell'epoca per stare al passo con i tempi che cambiano. Gli anonimi costruttori delle cattedrali gotiche, compreso Michelangelo, non conoscevano la separazione tra scienza e arte. Nel 1923 Walter Gropius diede inizio ad una nuova fase del Bauhaus con lo slogan “Arte e tecnologia – una nuova unità”. Ancora oggi, più che mai, siamo costretti a seguire il ritmo serrato della tecnologia. Arte e tecnologia, queste due discipline formano un'unità di creazione. Nell'era moderna, la rivoluzione digitale ha avuto un impatto simile, se non più profondo, sull'arte. Oggi gli artisti mettono in discussione il mondo moderno con strumenti digitali, intelligenza artificiale e realtà virtuali. È emozionante vedere cosa possono creare insieme l'uomo e la macchina. Con la presentazione dei due artisti Bruno Vallazza e Christian Kaufmann, la mostra “Testimonianze contemporanee” intende dimostrare la loro idoneità ai mezzi tecnici attuali. Così come Vallazza forgiava il ferro ai suoi tempi, Kaufmann crea la sua arte con le tecnologie offerte dal mondo digitale. La scultura del dopoguerra è caratterizzata da una variazione di stili e da una costante sperimentazione di nuovi materiali. Quattro quinti dell'opera scultorea del dopoguerra sono costituiti da qualche tipo di metallo. Acciaio, bronzo, ferro e alluminio sono i materiali caratteristici di quest'epoca e presentano vantaggi decisivi per la scultura. Anche Bruno Vallazza, figlio di questo periodo, ha fatto uso di questi materiali. Forme e simboli astratti caratterizzano il suo lavoro di forgiatura artistica. L'astrazione, in tutte le sue varianti, conferisce alle sue sculture struttura e movimento. I simboli geometrici sono le caratteristiche riconoscibili di Vallazza. L'artista dà loro un significato accostandoli, intrecciandoli e sovrapponendoli, creando ritmo e movimento. I contrasti emergono dai segni, che egli assegna a varie forme di integrazione. Vallazza ha modellato il rapporto tra opera e spazio con grande libertà, rompendo le convenzioni e introducendo nuove pratiche. Il suo obiettivo era che le sculture si muovessero nell'ambiente circostante. Il panorama tecnologico in continua evoluzione ha un impatto profondo e sfaccettato sull'espressione artistica e sulla creatività. L'integrazione degli strumenti digitali e dei progressi tecnologici non solo ha creato nuovi media per gli artisti, ma ha anche cambiato il modo in cui l'arte viene creata, distribuita e percepita. Anche Christian Kaufmann si occupa delle diverse dimensioni di questi nuovi media. Il suo lavoro artistico mostra come la tecnologia possa ampliare i confini dell'espressione artistica e trasformare il processo creativo. Gli strumenti digitali danno all'artista un controllo senza precedenti sul suo lavoro, consentendo manipolazioni complesse e sperimentazioni infinite senza le limitazioni dei supporti fisici. Se l'arte ha sempre cercato e trovato il suo compito nella rappresentazione della vita e delle sue manifestazioni, non è un caso ma una naturale conseguenza che oggi, come in passato, non ignori i motivi che lo sviluppo della scienza ha offerto e continua a offrire.