Negli ultimi tre decenni, oltre 5 milioni di persone, in 5 continenti e nel corso di più di 6.000 spettacoli e innumerevoli trasmissioni televisive, hanno ammirato i poteri mistici dei monaci Shaolin. Lo spettacolo conduce il pubblico nell’affascinante e misterioso mondo dei monaci Shaolin e del Buddhismo Zen. Racconta la storia del tempio e mostra, attraverso immagini suggestive girate sul sacro monte Song Shan e presso il tempio originale, l’intenso allenamento dei monaci, seguendo le orme di Bodhidharma, il fondatore I migliori maestri e gli shami (discepoli), guidati dal loro venerabile maestro ottantenne, presentano in uno spettacolo di due ore abilità straordinarie, che sembrano andare oltre i limiti della fisica. Grazie alla padronanza del Qi (l’energia vitale del corpo), sviluppata attraverso la respirazione e un allenamento rigoroso, i monaci riescono a frantumare sul proprio corpo e sulla testa lastre di pietra, assi di legno e barre di ferro; a sdraiarsi su lance, spade e letti di chiodi; a puntarsi punte di lancia contro la gola e persino a lanciare un ago da cucito attraverso una lastra di vetro.

regia Paolo Grossi collaborazione alla creazione Antonio Viganò, Paola Guerra con Mathias Dallinger, Michele Fiocchi, Stefania Mazzilli Muratori, Sara Menestrina scene e costumi Elena Beccaro light designer Melissa Pircali effetti sonori Giacomo Agnifili consulenza LIS Elisabetta Faggioli Pinocchio nel ventre della balena affonda le proprie radici nel rapporto profondo e delicato tra un padre e un figlio, aprendo una finestra sull’esistenza umana in cui finzione e realtà si incontrano e si confondono. Nel ventre del grande cetaceo, metafora del ventre materno, Geppetto e Pinocchio costruiscono un rapporto fatto di sguardi, silenzi e conquiste, ma anche di difficoltà e stanchezza. Un percorso condiviso che porterà Pinocchio a lasciare i panni del burattino per trasformarsi in essere umano. La drammaturgia nasce dagli sguardi, dai silenzi, dalle interviste e dalle improvvisazioni sceniche tra Mathias Dallinger, interprete di Pinocchio, e il suo vero padre. Questa relazione autentica viene trasportata sulla scena e diventa il punto di partenza per interrogarsi su cosa distingua un burattino da un bambino vero e, soprattutto, su quando siamo l’uno e quando l’altro. Il corpo di Pinocchio, con le sue contratture e i suoi movimenti imprevisti, oscilla tra fragilità e resistenza. La figura del burattino, che ha bisogno di qualcuno che lo animi, lo sorregga e lo accompagni nel mondo, si avvicina così all’esperienza di molte persone con disabilità, mentre Geppetto richiama quella del genitore-caregiver. Al centro emergono i temi dell’assistenza e della quotidianità, ma soprattutto il desiderio di autonomia, le relazioni e la possibilità di costruire una propria identità. Scene concrete del rapporto tra padre e figlio si alternano a momenti grotteschi e ironici ispirati al testo di Collodi. La Fata Turchina, il Grillo Parlante, il Gatto e la Volpe e gli altri personaggi accompagnano un Pinocchio contemporaneo in un percorso che non cerca una morale, ma pone una domanda essenziale: che cosa significa diventare veri?

regia Paolo Grossi collaborazione alla creazione Antonio Viganò, Paola Guerra con Mathias Dallinger, Michele Fiocchi, Stefania Mazzilli Muratori, Sara Menestrina scene e costumi Elena Beccaro light designer Melissa Pircali effetti sonori Giacomo Agnifili consulenza LIS Elisabetta Faggioli Pinocchio nel ventre della balena affonda le proprie radici nel rapporto profondo e delicato tra un padre e un figlio, aprendo una finestra sull’esistenza umana in cui finzione e realtà si incontrano e si confondono. Nel ventre del grande cetaceo, metafora del ventre materno, Geppetto e Pinocchio costruiscono un rapporto fatto di sguardi, silenzi e conquiste, ma anche di difficoltà e stanchezza. Un percorso condiviso che porterà Pinocchio a lasciare i panni del burattino per trasformarsi in essere umano. La drammaturgia nasce dagli sguardi, dai silenzi, dalle interviste e dalle improvvisazioni sceniche tra Mathias Dallinger, interprete di Pinocchio, e il suo vero padre. Questa relazione autentica viene trasportata sulla scena e diventa il punto di partenza per interrogarsi su cosa distingua un burattino da un bambino vero e, soprattutto, su quando siamo l’uno e quando l’altro. Il corpo di Pinocchio, con le sue contratture e i suoi movimenti imprevisti, oscilla tra fragilità e resistenza. La figura del burattino, che ha bisogno di qualcuno che lo animi, lo sorregga e lo accompagni nel mondo, si avvicina così all’esperienza di molte persone con disabilità, mentre Geppetto richiama quella del genitore-caregiver. Al centro emergono i temi dell’assistenza e della quotidianità, ma soprattutto il desiderio di autonomia, le relazioni e la possibilità di costruire una propria identità. Scene concrete del rapporto tra padre e figlio si alternano a momenti grotteschi e ironici ispirati al testo di Collodi. La Fata Turchina, il Grillo Parlante, il Gatto e la Volpe e gli altri personaggi accompagnano un Pinocchio contemporaneo in un percorso che non cerca una morale, ma pone una domanda essenziale: che cosa significa diventare veri?

“Non capisco perché nessuno mi capisce. Vi assicuro che per me non è per niente facile stare qui. Tutti voi conoscete molto bene la storia di Pinocchio. Che cosa cercate dunque? Quello che vedrete è uno spaccato di vita, una piccola finestra sull’esistenza umana tra un padre e un figlio. Vi basti questo.” (Grillo parlante) La fiaba moderna di Pinocchio illumina il cammino di grandi e piccini. Una fiaba che narra le avventure e disavventure di Pinocchio e di Mastro Geppetto, suo padre. Lo spettacolo fonda le sue radici nel rapporto padre-figlio, la cui drammaturgia scenica nasce da un percorso di improvvisazioni fatto tra il nostro attore Mathias e suo padre. I protagonisti agiranno nello spazio onirico del ventre della balena dove incontreranno altri personaggi della fiaba. Un ventre animale, un ventre materno. Regia: Paolo Grossi Collaborazione artistica: Paola Guerra, Antonio Viganò Scene e costumi: Elena Beccaro Light Designer: Melissa Pircali Sound Designer: Giacomo Agnifili Consulenza LIS: Elisabetta Faggioli Con Mathias Dallinger, Michele Fiocchi, Sara Menestrina, Stefania Mazzilli Muratori Una produzione: Teatro la Ribalta – Kunst der Vielfalt Accessibilità: luci strobo, macchina del fumo. Lingua ITA, età +12 In collaborazione con: Teatro Cristallo, UNICEF Bolzano, ASSB – UNITI PER I BAMBINI, AiBi

Per noi, Cenerentola è la fiaba dei fratelli Grimm, in tutta la sua bellezza e drammaticità. La marginalità in cui è costretta a vivere non ci trae in inganno… perché lo sappiamo già: lei si salverà. Sì, ma come? E noi, come lei, come ci salveremo? Noi, che siamo le fanciulle “così così”, che pensano che nessuno spiritello verrà a salvarle, che i Principi grassocci e brufolosi non le inviteranno al grande ballo, che rischiano di rovinarsi con le proprie mani, che credono che solo coloro che hanno ricevuto in dono giardini segreti, fasti principeschi e una certa leggiadria possano immaginarsi invitate al ballo della vita e riconoscersi nella storia di Cenerentola. Le fanciulle ritenute “così così” potranno scoprire che sotto quella cenere arde il fuoco del desiderio, che è soprattutto desiderio di crescere. Regia: Paola Guerra Drammaturgia e scene: Antonio Viganò Coreografie: Eleonora Chiocchini Costumi: Roberto Banci Light designer: Melissa Pircali Organizzazione: Jessica Rizzoli Una produzione: Teatro la Ribalta-Kunst der Vielfalt In coproduzione con: Teatro METASTASIO di Prato In collaborazione con: Olinda/ TeatroLaCucina

Per noi, Cenerentola è la fiaba dei fratelli Grimm, in tutta la sua bellezza e drammaticità. La marginalità in cui è costretta a vivere non ci trae in inganno… perché lo sappiamo già: lei si salverà. Sì, ma come? E noi, come lei, come ci salveremo? Noi, che siamo le fanciulle “così così”, che pensano che nessuno spiritello verrà a salvarle, che i Principi grassocci e brufolosi non le inviteranno al grande ballo, che rischiano di rovinarsi con le proprie mani, che credono che solo coloro che hanno ricevuto in dono giardini segreti, fasti principeschi e una certa leggiadria possano immaginarsi invitate al ballo della vita e riconoscersi nella storia di Cenerentola. Le fanciulle ritenute “così così” potranno scoprire che sotto quella cenere arde il fuoco del desiderio, che è soprattutto desiderio di crescere. Regia: Paola Guerra Drammaturgia e scene: Antonio Viganò Coreografie: Eleonora Chiocchini Costumi: Roberto Banci Light designer: Melissa Pircali Organizzazione: Jessica Rizzoli Una produzione: Teatro la Ribalta-Kunst der Vielfalt In coproduzione con: Teatro METASTASIO di Prato In collaborazione con: Olinda/ TeatroLaCucina

È il nostro contributo per far sì che questa storia non sia dimenticata e non possa mai più ripetersi. È il nostro contributo per impedire che “ogni amnesia contenga inconsapevolmente una forma di amnistia” (Primo Levi). “Impronte dell’anima” è uno spettacolo di teatro civile e di testimonianza che racconta lo sterminio delle persone disabili nel periodo nazista: chi racconta questa storia, gli interpreti dello spettacolo, sono gli attori–di–versi della compagnia Teatro la Ribalta-Kunst der Vielfalt. Uomini e donne che, secondo i parametri nazisti dell’epoca, erano “vite non degne di essere vissute”. Oggi li troviamo sul palco, protagonisti in tanti teatri, a raccontarci una storia che, un tempo, voleva negare loro la possibilità di esistere e di vivere. Sono testimoni, sono dei “sopravvissuti” a quella immane e terribile tragedia. Scritto da: Giovanni De Martis e Antonio Viganò Scene e regia: Antonio Viganò Scene e costumi: Roberto Banci Costumi: Sigrid Schwarzer Luci: Melissa Pircali Con: Mathias Dallinger, Jason De Majo, Edoardo Fattor, Michele Fiocchi, Paolo Grossi, Paola Guerra, Stefania Mazzilli Muratori, Johannes Notdurfter, Michael Untertrifaller Una produzione: Teatro Stabile di Bolzano e Teatro la Ribalta-Kunst der Vielfalt In collaborazione con: Teatro Stabile di Bolzano, Consiglio di Quartiere Europa Novacella In collaborazione con Ass. Theatraki e Ass. Lebenshilfe

GOLDEN SLIDE & SYMPHONIC POWER Da oltre 35 anni, l'orchestra sinfonica Symphonic Winds entusiasma il pubblico con la sua eccellenza musicale e la sua varietà artistica. Circa 135 concerti con oltre 70.000 spettatori testimoniano il fascino di questo straordinario ensemble, che sotto la direzione di Alexander Veit stabilisce nuovi standard nel campo della musica sinfonica per strumenti a fiato. LA MAGIA DEI FIATI IN ALTO ADIGE: il virtuoso del trombone basso David Luidold ospite dei Symphonic Winds Dobbiaco / Bolzano / Merano – Nel dicembre 2026 gli amanti della musica in Alto Adige potranno godersi un evento speciale: David Luidold, uno dei trombonisti bassi più rinomati a livello internazionale, terrà tre concerti esclusivi in Alto Adige. Insieme alla rinomata orchestra Symphonic Winds e alla brillante solista Chantal Ramona Veit, il tour promette brillantezza musicale e mondi sonori innovativi. David Luidold, membro fisso della Filarmonica di Graz dal 2009, si è fatto un nome come sostituto nelle orchestre più importanti del mondo, come la Filarmonica di Vienna e quella di Berlino, nonché alla Scala di Milano. In Alto Adige, nel dicembre 2026, presenterà tutta la sua gamma sonora, che spazia da una presenza potente a melodie ricche di sfumature, quasi cantate. Luidold, vincitore del Premio Karl Böhm della città di Graz, è sinonimo di cultura musicale moderna. Lo ha dimostrato non solo contribuendo allo sviluppo dell'innovativo trombone basso “THOR”, ma anche con spettacolari progetti su larga scala come “76 Trombones” all'Opera di Graz. La sua passione per le novità si riflette anche nelle prime esecuzioni a lui dedicate, che egli porta in scena con perfezione tecnica e profonda espressività emotiva. Oltre alla sua carriera sul palcoscenico, David Luidold è un appassionato insegnante e professore ospite all'Università delle Arti di Graz. In qualità di rappresentante dell'Austria nell'Associazione Internazionale dei Trombonisti e fondatore del Quartetto di Trombone di Graz, si impegna a livello mondiale per la promozione dei giovani talenti musicali e l'ulteriore sviluppo della letteratura per trombone. Oltre a Luidold, la giovane artista altoatesina Chantal Ramona Veit si esibirà come solista al fianco dei Symphonic Winds. La combinazione tra orchestra sinfonica di fiati, il carisma del trombone basso e la sensibilità solistica di Veit promette un programma che getta un ponte tra tradizione classica e innovazione orientata al futuro. Prevendita biglietti: sabato, 12 dicembre, e sabato, 19 dicembre, dalle ore 9:30 alle 11:30 presso l'ufficio di prevendita biglietti di Merano, Corso Libertà 29, tel. 0039 0473 496045 o online su www.symphonicwinds.it.

GOLDEN SLIDE & SYMPHONIC POWER Da oltre 35 anni, l'orchestra sinfonica Symphonic Winds entusiasma il pubblico con la sua eccellenza musicale e la sua varietà artistica. Circa 135 concerti con oltre 70.000 spettatori testimoniano il fascino di questo straordinario ensemble, che sotto la direzione di Alexander Veit stabilisce nuovi standard nel campo della musica sinfonica per strumenti a fiato. LA MAGIA DEI FIATI IN ALTO ADIGE: il virtuoso del trombone basso David Luidold ospite dei Symphonic Winds Dobbiaco / Bolzano / Merano – Nel dicembre 2026 gli amanti della musica in Alto Adige potranno godersi un evento speciale: David Luidold, uno dei trombonisti bassi più rinomati a livello internazionale, terrà tre concerti esclusivi in Alto Adige. Insieme alla rinomata orchestra Symphonic Winds e alla brillante solista Chantal Ramona Veit, il tour promette brillantezza musicale e mondi sonori innovativi. David Luidold, membro fisso della Filarmonica di Graz dal 2009, si è fatto un nome come sostituto nelle orchestre più importanti del mondo, come la Filarmonica di Vienna e quella di Berlino, nonché alla Scala di Milano. In Alto Adige, nel dicembre 2026, presenterà tutta la sua gamma sonora, che spazia da una presenza potente a melodie ricche di sfumature, quasi cantate. Luidold, vincitore del Premio Karl Böhm della città di Graz, è sinonimo di cultura musicale moderna. Lo ha dimostrato non solo contribuendo allo sviluppo dell'innovativo trombone basso “THOR”, ma anche con spettacolari progetti su larga scala come “76 Trombones” all'Opera di Graz. La sua passione per le novità si riflette anche nelle prime esecuzioni a lui dedicate, che egli porta in scena con perfezione tecnica e profonda espressività emotiva. Oltre alla sua carriera sul palcoscenico, David Luidold è un appassionato insegnante e professore ospite all'Università delle Arti di Graz. In qualità di rappresentante dell'Austria nell'Associazione Internazionale dei Trombonisti e fondatore del Quartetto di Trombone di Graz, si impegna a livello mondiale per la promozione dei giovani talenti musicali e l'ulteriore sviluppo della letteratura per trombone. Oltre a Luidold, la giovane artista altoatesina Chantal Ramona Veit si esibirà come solista al fianco dei Symphonic Winds. La combinazione tra orchestra sinfonica di fiati, il carisma del trombone basso e la sensibilità solistica di Veit promette un programma che getta un ponte tra tradizione classica e innovazione orientata al futuro. Prevendita biglietti: sabato, 12 dicembre, e sabato, 19 dicembre, dalle ore 9:30 alle 11:30 presso l'ufficio di prevendita biglietti di Merano, Corso Libertà 29, tel. 0039 0473 496045 o online su www.symphonicwinds.it.

GOLDEN SLIDE & SYMPHONIC POWER Da oltre 35 anni, l'orchestra sinfonica Symphonic Winds entusiasma il pubblico con la sua eccellenza musicale e la sua varietà artistica. Circa 135 concerti con oltre 70.000 spettatori testimoniano il fascino di questo straordinario ensemble, che sotto la direzione di Alexander Veit stabilisce nuovi standard nel campo della musica sinfonica per strumenti a fiato. LA MAGIA DEI FIATI IN ALTO ADIGE: il virtuoso del trombone basso David Luidold ospite dei Symphonic Winds Dobbiaco / Bolzano / Merano – Nel dicembre 2026 gli amanti della musica in Alto Adige potranno godersi un evento speciale: David Luidold, uno dei trombonisti bassi più rinomati a livello internazionale, terrà tre concerti esclusivi in Alto Adige. Insieme alla rinomata orchestra Symphonic Winds e alla brillante solista Chantal Ramona Veit, il tour promette brillantezza musicale e mondi sonori innovativi. David Luidold, membro fisso della Filarmonica di Graz dal 2009, si è fatto un nome come sostituto nelle orchestre più importanti del mondo, come la Filarmonica di Vienna e quella di Berlino, nonché alla Scala di Milano. In Alto Adige, nel dicembre 2026, presenterà tutta la sua gamma sonora, che spazia da una presenza potente a melodie ricche di sfumature, quasi cantate. Luidold, vincitore del Premio Karl Böhm della città di Graz, è sinonimo di cultura musicale moderna. Lo ha dimostrato non solo contribuendo allo sviluppo dell'innovativo trombone basso “THOR”, ma anche con spettacolari progetti su larga scala come “76 Trombones” all'Opera di Graz. La sua passione per le novità si riflette anche nelle prime esecuzioni a lui dedicate, che egli porta in scena con perfezione tecnica e profonda espressività emotiva. Oltre alla sua carriera sul palcoscenico, David Luidold è un appassionato insegnante e professore ospite all'Università delle Arti di Graz. In qualità di rappresentante dell'Austria nell'Associazione Internazionale dei Trombonisti e fondatore del Quartetto di Trombone di Graz, si impegna a livello mondiale per la promozione dei giovani talenti musicali e l'ulteriore sviluppo della letteratura per trombone. Oltre a Luidold, la giovane artista altoatesina Chantal Ramona Veit si esibirà come solista al fianco dei Symphonic Winds. La combinazione tra orchestra sinfonica di fiati, il carisma del trombone basso e la sensibilità solistica di Veit promette un programma che getta un ponte tra tradizione classica e innovazione orientata al futuro. Prevendita biglietti: sabato, 12 dicembre, e sabato, 19 dicembre, dalle ore 9:30 alle 11:30 presso l'ufficio di prevendita biglietti di Merano, Corso Libertà 29, tel. 0039 0473 496045 o online su www.symphonicwinds.it.

Per noi, Cenerentola è la fiaba dei fratelli Grimm, in tutta la sua bellezza e drammaticità. La marginalità in cui è costretta a vivere non ci trae in inganno… perché lo sappiamo già: lei si salverà. Sì, ma come? E noi, come lei, come ci salveremo? Noi, che siamo le fanciulle “così così”, che pensano che nessuno spiritello verrà a salvarle, che i Principi grassocci e brufolosi non le inviteranno al grande ballo, che rischiano di rovinarsi con le proprie mani, che credono che solo coloro che hanno ricevuto in dono giardini segreti, fasti principeschi e una certa leggiadria possano immaginarsi invitate al ballo della vita e riconoscersi nella storia di Cenerentola. Le fanciulle ritenute “così così” potranno scoprire che sotto quella cenere arde il fuoco del desiderio, che è soprattutto desiderio di crescere. Regia: Paola Guerra Drammaturgia e scene: Antonio Viganò Coreografie: Eleonora Chiocchini Costumi: Roberto Banci Light designer: Melissa Pircali Organizzazione: Jessica Rizzoli Una produzione: Teatro la Ribalta-Kunst der Vielfalt In coproduzione con: Teatro METASTASIO di Prato In collaborazione con: Olinda/ TeatroLaCucina

Scambio gratuito di oggetti d'arredamento ed elettrodomestici La Festa degli ingombranti è un'opportunità per donare o scambiarsi, a titolo gratuito, mobili, elettrodomestici e oggetti per la casa in buono stato e funzionanti. Le date fissate per l'anno 2025 sono le seguenti: 14 marzo 2026: piazza M. Casagrande 12 aprile 2026: piazza Tribunale - RECYCLE 9 maggio 2026: Piazza L. Ziller (via Roma/Eurospar) 13 giugno 2026: Piazza G. Mazzini 5 settembre 2026: Piazzetta Bersaglio 17 ottobre 2026: piazza G. Matteotti 12 dicembre 2026: giornata del riuso natalizio Attenzione! In caso di pioggia l'evento verrà annullato. Gli oggetti potranno essere consegnati scegliendo uno dei seguenti modi: - personalmente. L'oggetto dovrà essere portato entro le ore 12:00 del giorno della manifestazione oppure - usufruendo del servizio di ritiro gratuito prenotabilie telefonicamente alcuni giorni prima della data fissata della manifestazione

Chiude l’anno della Galleria Civica la doppia personale dello scultore Walter Moroder, (Ortisei, 1963) e della pittrice Marta Spagnoli (Verona, 1994). Il filo rosso che unisce questi artisti, profondamente diversi per linguaggio e medialità, è la profonda conoscenza dell’arte extraeuropea, che viene filtrata nelle loro opere dalla matura padronanza delle tecniche tradizionali dell’arte italiana, la scultura lignea di scuola gardenese da un lato e la pittura timbrica di matrice veneziana dall’altro. Nelle sculture di Moroder tempi sospesi, lunghi silenzi e pause suggeriscono una meditazione sull’esistenza umana, i personaggi sembrano non appartenere al mondo reale, hanno qualcosa di astratto, universale. Pur coerente con la scelta fondante che da sempre ne definisce il linguaggio (l’indagine sul corpo umano e sulle articolazioni della forma), nella piena maturità dell’artista emerge un inedito senso di inquietudine, il presagio di un cambiamento. Nelle pitture di Spagnoli c’è una tensione permanente tra il gesto fisico, istintivo e una dimensione più contemplativa, impegnata a equilibrare l’intensità cromatica con ampie zone di vuoto. È un lavoro fatto di suggerimenti più che di definizioni: la materia pittorica lascia affiorare forme durante il suo stesso farsi, le immagini non vengono stabilite a priori, ma si rivelano. Una visione rara e preziosa nel panorama contemporaneo oggi dominato da una figurazione sempre più esplicita. A cura di Gabriele Lorenzoni Opening: 4 dicembre 2026, ore 18.00 Ingresso libero e brindisi con Rotari, ti aspettiamo!

Chiude l’anno della Galleria Civica la doppia personale dello scultore Walter Moroder, (Ortisei, 1963) e della pittrice Marta Spagnoli (Verona, 1994). Il filo rosso che unisce questi artisti, profondamente diversi per linguaggio e medialità, è la profonda conoscenza dell’arte extraeuropea, che viene filtrata nelle loro opere dalla matura padronanza delle tecniche tradizionali dell’arte italiana, la scultura lignea di scuola gardenese da un lato e la pittura timbrica di matrice veneziana dall’altro. Nelle sculture di Moroder tempi sospesi, lunghi silenzi e pause suggeriscono una meditazione sull’esistenza umana, i personaggi sembrano non appartenere al mondo reale, hanno qualcosa di astratto, universale. Pur coerente con la scelta fondante che da sempre ne definisce il linguaggio (l’indagine sul corpo umano e sulle articolazioni della forma), nella piena maturità dell’artista emerge un inedito senso di inquietudine, il presagio di un cambiamento. Nelle pitture di Spagnoli c’è una tensione permanente tra il gesto fisico, istintivo e una dimensione più contemplativa, impegnata a equilibrare l’intensità cromatica con ampie zone di vuoto. È un lavoro fatto di suggerimenti più che di definizioni: la materia pittorica lascia affiorare forme durante il suo stesso farsi, le immagini non vengono stabilite a priori, ma si rivelano. Una visione rara e preziosa nel panorama contemporaneo oggi dominato da una figurazione sempre più esplicita. A cura di Gabriele Lorenzoni Mostra: 5 dicembre 2026 - 7 marzo 2027

Cosa resta quando tutto cambia? Nella sua mostra INTERIM, la fotografa Daniela Brugger, originaria della Val Senales, affronta il tema della transitorietà: tra passato e presente, tra stati e cambiamenti, che spesso iniziano in modo quasi impercettibile e finiscono per coinvolgere tutto. Ghiacciai che si sciolgono, corpi che invecchiano, spazi familiari ed esperienze personali di malattia e vulnerabilità si incontrano in diversi lavori fotografici. Ciò che a prima vista sembra distante è invece collegato da un unico pensiero: nulla resta com’è, anche se lo vorremmo. Nella serie “Inside Out” il paesaggio si insinua nello spazio privato, mettendo in discussione la presunta sicurezza di ciò che è familiare. Ritratti raccontano del tempo vissuto, mentre le immagini dei ghiacciai e di una natura frammentaria documentano un cambiamento che supera di gran lunga la sfera dell’umano. Una serie di immagini molto intimi rivolge lo sguardo al proprio corpo e all’esperienza della malattia. Anche la fotografia stessa diventa oggetto di riflessione: Daniela Brugger lavora con doppie esposizioni, immagini in negativo, cianotipie e diverse tecniche di stampa. Le foto vengono sovrapposte, alterate e inserite in nuovi contesti. Alcune lasciano a malapena intravedere la loro origine fotografica. La fotografia immortala un istante e trasmette l’illusione di una persistenza, che in un secondo momento palesa la sua precarietà. In questa contraddizione si muove INTERIM: tra il trattenere e il lasciar andare, tra ciò che è stato e ciò che sta per nascere. Introduzione: Patrizia Pfeifer (in lingua tedesca) Mostra: 28/11/2026 - 12/12/2026

Cosa resta quando tutto cambia? Nella sua mostra INTERIM, la fotografa Daniela Brugger, originaria della Val Senales, affronta il tema della transitorietà: tra passato e presente, tra stati e cambiamenti, che spesso iniziano in modo quasi impercettibile e finiscono per coinvolgere tutto. Ghiacciai che si sciolgono, corpi che invecchiano, spazi familiari ed esperienze personali di malattia e vulnerabilità si incontrano in diversi lavori fotografici. Ciò che a prima vista sembra distante è invece collegato da un unico pensiero: nulla resta com’è, anche se lo vorremmo. Nella serie “Inside Out” il paesaggio si insinua nello spazio privato, mettendo in discussione la presunta sicurezza di ciò che è familiare. Ritratti raccontano del tempo vissuto, mentre le immagini dei ghiacciai e di una natura frammentaria documentano un cambiamento che supera di gran lunga la sfera dell’umano. Una serie di immagini molto intimi rivolge lo sguardo al proprio corpo e all’esperienza della malattia. Anche la fotografia stessa diventa oggetto di riflessione: Daniela Brugger lavora con doppie esposizioni, immagini in negativo, cianotipie e diverse tecniche di stampa. Le foto vengono sovrapposte, alterate e inserite in nuovi contesti. Alcune lasciano a malapena intravedere la loro origine fotografica. La fotografia immortala un istante e trasmette l’illusione di una persistenza, che in un secondo momento palesa la sua precarietà. In questa contraddizione si muove INTERIM: tra il trattenere e il lasciar andare, tra ciò che è stato e ciò che sta per nascere. Inaugurazione: 28/11/2026 ore 18 Introduzione: Patrizia Pfeifer (in lingua tedesca)

In dialogo con il proprio patrimonio di opere, materiali e fondi di archivio, il Mart prosegue l’indagine sulle vicende artistiche nell’Italia del XX secolo. In particolare, la mostra Fronti opposti. Arte italiana tra Guttuso e Vedova approfondisce il periodo del secondo dopoguerra, dalla Biennale di Venezia del 1948, con la quale l’Italia torna a dialogare con il sistema dell’arte internazionale, alla Biennale del 1964, che celebrerà la rivoluzione della Pop Art americana. Sono anni durante i quali si sviluppano due correnti principali: una figurativa e una più astratta, accomunate dalla volontà di manifestare il proprio pensiero con energia e consapevolezza. Se la prima tende al realismo sociale, perseguendo intenti politici ideologici che credono nella funzione civile e morale dell’arte, raccontando il mondo del lavoro, la condizione umana, la guerra e la ricostruzione; la seconda, informale, si concentra sull’energia vitalistica e drammatica del gesto pittorico che, ugualmente, è manifestazione di un pensiero filosofico e politico. La querelle tra arte figurativa e arte astratta rappresenta un tema forte, discusso per diversi anni non solo in ambito accademico. Protagonisti di questo dibattito sono, tra gli altri, Renato Guttuso ed Emilio Vedova. Pur non portando ad alcuna risposta definitiva, il confronto tra posizioni divergenti apre la strada a un’incessante e vitale sperimentazione che culmina nell’opera radicale di tre artisti che restituiranno all’arte italiana la sua posizione internazionale: Lucio Fontana, Alberto Burri e Piero Manzoni. A cura di Daniela Ferrari Opening 27 novembre, ore 18.00 Ingresso libero e brindisi con Altemasi, non mancare! Immagine: Renato Guttuso, "Le donne degli zolfatari di Lercara durante uno sciopero (Le donne dei minatori)", 1953, Mart, Collezione VAF-Stiftung

Aristo & Jellicle Cats – Il Musical Preparatevi a entrare in un mondo dove il jazz parigino incontra la magia della notte più celebre di Broadway. La nostra compagnia teatrale è orgogliosa di presentare Aristo & Jellicle Cats, un’inedita e sorprendente rivisitazione che fonde insieme due pietre miliari dell’immaginario felino. La trama dello spettacolo ricalca le divertenti e poetiche avventure del grande classico animato Gli Aristogatti, ma le traspone in un universo musicale completamente nuovo, immergendo i personaggi nelle splendide e iconiche note di Cats, il capolavoro mondiale di Andrew Lloyd Webber. Un Incrocio Magico tra Classico e Contemporaneo Cosa succede se Duchessa, Romeo e i piccoli Minou, Matisse e Bizet si ritrovano a ballare sotto la luna nel bel mezzo del ballo Jellicle? In questa versione originale, i destini dei raffinati gatti di Parigi si intrecciano con le atmosfere misteriose, l’energia e il fascino dei gatti più famosi del teatro musicale. Le celebri melodie dello show originale si vestono di nuova luce per accompagnare una storia di amicizia, risate, amore e avventura. Uno Spettacolo per Tutta la Famiglia Aristo & Jellicle Cats è una produzione pensata per catturare il cuore di grandi e piccini. Il palcoscenico prenderà vita attraverso: Esplosioni di colore: Costumi curati nei minimi dettagli e scenografie cucite su misura per trasportare il pubblico in un’atmosfera sospesa tra sogno e realtà. Travolgenti coreografie: Numeri di ballo dinamici che spaziano dal lirico alle coreografie di gruppo più energiche. Grandi interpretazioni vocali: Emozioni pure cantate interamente dal vivo, capaci di far emozionare e ballare sulle poltrone. Lasciatevi trasportare dal ritmo, dai colori e dalla magia di una notte felina indimenticabile. Vi aspettiamo a teatro!

Ingresso libero e brindisi con Altemasi, non mancare! In dialogo con il proprio patrimonio di opere, materiali e fondi di archivio, il Mart prosegue l’indagine sulle vicende artistiche nell’Italia del XX secolo. In particolare, la mostra Fronti opposti. Arte italiana tra Guttuso e Vedova approfondisce il periodo del secondo dopoguerra, dalla Biennale di Venezia del 1948, con la quale l’Italia torna a dialogare con il sistema dell’arte internazionale, alla Biennale del 1964, che celebrerà la rivoluzione della Pop Art americana. Sono anni durante i quali si sviluppano due correnti principali: una figurativa e una più astratta, accomunate dalla volontà di manifestare il proprio pensiero con energia e consapevolezza. Se la prima tende al realismo sociale, perseguendo intenti politici ideologici che credono nella funzione civile e morale dell’arte, raccontando il mondo del lavoro, la condizione umana, la guerra e la ricostruzione; la seconda, informale, si concentra sull’energia vitalistica e drammatica del gesto pittorico che, ugualmente, è manifestazione di un pensiero filosofico e politico. La querelle tra arte figurativa e arte astratta rappresenta un tema forte, discusso per diversi anni non solo in ambito accademico. Protagonisti di questo dibattito sono, tra gli altri, Renato Guttuso ed Emilio Vedova. Pur non portando ad alcuna risposta definitiva, il confronto tra posizioni divergenti apre la strada a un’incessante e vitale sperimentazione che culmina nell’opera radicale di tre artisti che restituiranno all’arte italiana la sua posizione internazionale: Lucio Fontana, Alberto Burri e Piero Manzoni. A cura di Daniela Ferrari Mostra: 28.11.2026 - 04.04.2027 Immagine: Renato Guttuso, "Le donne degli zolfatari di Lercara durante uno sciopero (Le donne dei minatori)", 1953, Mart, Collezione VAF-Stiftung

Time of Monsters traccia un percorso nella ricerca artistica di Reem Masri, dal 2018 a oggi. Il lavoro dell’artista indaga da tempo il rapporto tra territorio e memoria. Nella mostra Time of Monsters, corpo e terra emergono come territori che possono essere occupati, segnati da proliferazioni tumorali, incisi e contesi: i loro spazi vengono alterati, frammentati, sfigurati. Masri annulla la distanza tra l’idea di un corpo occupato e quella di una terra occupata, considerando entrambi come luoghi in cui si iscrivono vulnerabilità, violenza, memoria e resistenza. Reem Masri è un’artista visiva palestinese, nata a Gerusalemme nel 1991. La sua pratica spazia dalla pittura al disegno, dal collage all’installazione. È inoltre docente presso la Facoltà di Arte, Musica e Design dell’Università di Birzeit, a Ramallah. A cura di Zasha Colah e Francesca Verga Inaugurazione: 25 novembre 2026, ore 19:30. Evento: 23 novembre 2026, ore 18.00–20.00. Incontro con Reem Masri e Yasmin Riyahi. Discussione moderata da Davide Ferrando.

Time of Monsters traccia un percorso nella ricerca artistica di Reem Masri, dal 2018 a oggi. Il lavoro dell’artista indaga da tempo il rapporto tra territorio e memoria. Nella mostra Time of Monsters, corpo e terra emergono come territori che possono essere occupati, segnati da proliferazioni tumorali, incisi e contesi: i loro spazi vengono alterati, frammentati, sfigurati. Masri annulla la distanza tra l’idea di un corpo occupato e quella di una terra occupata, considerando entrambi come luoghi in cui si iscrivono vulnerabilità, violenza, memoria e resistenza. Reem Masri è un’artista visiva palestinese, nata a Gerusalemme nel 1991. La sua pratica spazia dalla pittura al disegno, dal collage all’installazione. È inoltre docente presso la Facoltà di Arte, Musica e Design dell’Università di Birzeit, a Ramallah. Mostra: 26.11.2026—13.02.2027 Evento: 23 novembre 2026, ore 18.00–20.00. Incontro con Reem Masri e Yasmin Riyahi. Discussione moderata da Davide Ferrando.

Il 23 novembre Reem Masri parlerà della propria pratica artistica e dell’attività didattica che conduce in Palestina. Yasmin Riyahi, ricercatrice postdoc presso il Kunsthistorisches Institut di Firenze, dialogherà con lei a partire dalla propria ricerca sulla ricezione dell’arte palestinese contemporanea in Italia. La conversazione sarà seguita da una discussione moderata da Davide Ferrando, critico di architettura, curatore e professore associato presso la Facoltà di Design e Arti della Libera Università di Bolzano. L’evento è co-organizzato tra Ar/Ge Kunst e la Libera Università di Bolzano con l’assemblea South Tyrol Knowledge Workers for Palestine and Peace. Mostra: 26.11.2026—13.02.2027

I dipinti in mostra sono stati iniziati a Parigi, dove ReschWilleit ha trascorso diversi mesi in residenza presso la Cité internationale des arts. Lavorando in uno studio preso in prestito in una città sconosciuta, gli artisti hanno iniziato un gruppo di dipinti in risposta a ciò che li circondava immediatamente. Terminata la residenza, hanno portato i dipinti a Verona, li hanno sistemati nel loro studio e hanno continuato a lavorarci nei mesi successivi. I dipinti sono rimasti aperti a ciò che avevano raccolto lungo il tragitto e a ciò che il nuovo luogo ha aggiunto. Tra le fonti dei dipinti figurano schizzi realizzati tra le due città. Durante la mostra sarà disponibile un poster da portare via. Vernissage: 18.11.2026, ore 18:00

I dipinti in mostra sono stati iniziati a Parigi, dove ReschWilleit ha trascorso diversi mesi in residenza presso la Cité internationale des arts. Lavorando in uno studio preso in prestito in una città sconosciuta, gli artisti hanno iniziato un gruppo di dipinti in risposta a ciò che li circondava immediatamente. Terminata la residenza, hanno portato i dipinti a Verona, li hanno sistemati nel loro studio e hanno continuato a lavorarci nei mesi successivi. I dipinti sono rimasti aperti a ciò che avevano raccolto lungo il tragitto e a ciò che il nuovo luogo ha aggiunto. Tra le fonti dei dipinti figurano schizzi realizzati tra le due città. Durante la mostra sarà disponibile un poster da portare via. Mostra: 18.11.2026 - 13.02.2027

Con la mostra A Home With No Roof, l’artista Sara De Brito Faustino, che vive e lavora in Svizzera, presenta la sua prima personale al di fuori del Paese presso la Galleria Foto Forum. Ripensata appositamente per gli spazi espositivi, la mostra invita il pubblico a immergersi nell’universo della serie, riunendo immagini tratte dal progetto originale e dall’omonimo libro fotografico. Partendo da meticolose ricostruzioni in scala ridotta dell’appartamento della sua infanzia, l’artista trasforma i resti della vita quotidiana in inquietanti scene in miniatura. Sebbene la casa dovrebbe rappresentare un luogo di rassicurazione, conforto e sicurezza, per Sara De Brito Faustino è sempre stata uno spazio al quale sentiva di non appartenere, estranea al proprio passato. Alla ricerca di una catarsi, cerca di rievocare questo ambiente disfunzionale, mantenendo al tempo stesso una distanza di sicurezza. A Home With No Roof supera le convenzioni della fotografia, attingendo alla costruzione, alla performance e alla mise-en-scène. Le immagini nascono da livelli narrativi accuratamente assemblati, tenuti insieme da un linguaggio visivo volutamente fragile, che oscilla tra la ruvidità e un’estetica estremamente raffinata, creando una dissonanza perturbante. Questa nuova proposta, concepita per Bolzano, radica ulteriormente la sua pratica artistica nella specificità del luogo, nell’intimità e nelle narrazioni domestiche, mettendo al tempo stesso in discussione i confini tra sfera pubblica e privata. Sara De Brito Faustino (1999, NL/PT) vive e lavora a Losanna, in Svizzera. Dopo aver concluso gli studi, ha partecipato a mostre collettive in Svizzera e in Europa. Ha ricevuto numerose nomination a premi, tra cui il DIOR Photography Award for Young Talent e FOAM Talent 2026. Recentemente l’artista è stata inoltre insignita dello Swiss Design Award. Opening: 17.11.2026, 19:00

Nuovi sapori, storie forti, mani tese Scoprire il Perù attraverso la sua cucina, ascoltare dal vivo l'ispirante storia dell'autore di bestseller Dominik Bloh e raccogliere insieme generi alimentari: scopri i nostri appuntamenti principali per l'autunno e l'inverno e partecipa anche tu! Cosa c'entrano patate, mais e peperoncino con la storia del Perù? Martedì 17 novembre, Pilar ci accompagnerà in un viaggio culinario nella sua terra d'origine. Originaria del Perù e residente da molti anni in Alto Adige, porterà in tavola le specialità della cucina racchiusa tra le Ande e la costa pacifica. Migliaia di varietà di patate, peperoncini aromatici e tradizioni regionali uniche caratterizzano la cultura gastronomica peruviana. Pilar ci offrirà uno sguardo personale su questo ricco mondo culinario. È prevista anche un'opzione vegetariana. «Donde come uno, comen dos.» Dove mangia uno, mangiano due. Il 17 novembre il Perù non sarà solo sulla cartina geografica, ma tutto da scoprire nel piatto! Vieni a trovarci, lasciati conquistare dai sapori della cucina peruviana e trascorri una serata all’insegna di nuovi gusti e di una compagnia vivace e variegata. Prenota subito il tuo posto A offerta libera – con un contributo consigliato

Con la mostra A Home With No Roof, l’artista Sara De Brito Faustino, che vive e lavora in Svizzera, presenta la sua prima personale al di fuori del Paese presso la Galleria Foto Forum. Ripensata appositamente per gli spazi espositivi, la mostra invita il pubblico a immergersi nell’universo della serie, riunendo immagini tratte dal progetto originale e dall’omonimo libro fotografico. Partendo da meticolose ricostruzioni in scala ridotta dell’appartamento della sua infanzia, l’artista trasforma i resti della vita quotidiana in inquietanti scene in miniatura. Sebbene la casa dovrebbe rappresentare un luogo di rassicurazione, conforto e sicurezza, per Sara De Brito Faustino è sempre stata uno spazio al quale sentiva di non appartenere, estranea al proprio passato. Alla ricerca di una catarsi, cerca di rievocare questo ambiente disfunzionale, mantenendo al tempo stesso una distanza di sicurezza. A Home With No Roof supera le convenzioni della fotografia, attingendo alla costruzione, alla performance e alla mise-en-scène. Le immagini nascono da livelli narrativi accuratamente assemblati, tenuti insieme da un linguaggio visivo volutamente fragile, che oscilla tra la ruvidità e un’estetica estremamente raffinata, creando una dissonanza perturbante. Questa nuova proposta, concepita per Bolzano, radica ulteriormente la sua pratica artistica nella specificità del luogo, nell’intimità e nelle narrazioni domestiche, mettendo al tempo stesso in discussione i confini tra sfera pubblica e privata. Sara De Brito Faustino (1999, NL/PT) vive e lavora a Losanna, in Svizzera. Dopo aver concluso gli studi, ha partecipato a mostre collettive in Svizzera e in Europa. Ha ricevuto numerose nomination a premi, tra cui il DIOR Photography Award for Young Talent e FOAM Talent 2026. Recentemente l’artista è stata inoltre insignita dello Swiss Design Award. Mostra: 18.11. – 19.12.2026

Il Mart dedica una grande mostra a uno tra i maggiori protagonisti della fotografia italiana, Gianni Berengo Gardin (1930-2025) indagando uno degli aspetti centrali della sua poetica: la vocazione architettonica e l'incessante e appassionato lavoro di documentazione svolto nei cantieri dei grandi progetti realizzati dai suoi amici architetti, primo fra tutti Renzo Piano. Il titolo rimanda alle parole di Stefano Boeri, che definì le fotografie di Berengo: "classiche perché si sottraggono alle mode. Hanno la grazia di qualcosa che sembra esserci sempre stato. Sono, semplicemente, mondi da abitare". Il progetto insiste sullo sguardo da "urbanista" con cui Berengo Gardin ha osservato il mondo, cogliendo la disposizione geometrica dei luoghi, i volumi dei paesaggi, i giochi di pieni di vuoti che costituiscono gli spazi del vivere quotidiano, l’osmosi tra paesaggio esterno e intimo. Da un lato le costruzioni volumetriche del paesaggio e delle strutture che lo costituiscono; dall’altro il "fattore umano", le persone che quello stesso ambiente abitano, conoscono, percorrono. I mondi da abitare, sono quindi visioni urbanistiche precise, e insieme poetiche e sognanti, degli spazi costruiti, che accolgono e, nel contempo, vengono vissuti. In mostra piazze, case, strade, portici dialogano con i cantieri, tra distruzione e ricostruzione. Le fotografie dedicate al lavoro, coi i suoi gesti, il movimento, la presenza umana, si contrappongono a quelle più astratte che catturano muri, soglie, luoghi; riflessi, moltiplicazioni e compenetrazioni. Nella differenza di soggetto, emerge la coerenza stilistica, l’interpretazione originale e riconoscibile che caratterizza l’estetica raffinata di Berengo Gardin. Il percorso espositivo si articola in nove sezioni e 120 immagini provenienti dall’Archivio di famiglia, che ripercorrono la produzione dell’autore dagli anni Cinquanta al 2013. La mostra si apre con una sezione dedicata a Venezia, città nella quale Berengo Gardin cresce, si forma, comincia a misurarsi con la fotografia, per chiudersi nello stesso luogo, con il suo celebre reportage sulle grandi navi. A testimoniare la profonda amicizia che ha segnato l’intera carriera di Gianni Berengo Gardin e Renzo Piano, in mostra è presente un video inedito dello stesso Piano che ricorda il rapporto, personale e professionale, con il fotografo. Al centro del percorso espositivo le parole di Piano si alterneranno alla proiezione del film biografico di Daniele Cini Il ragazzo con la Leica (2021). Completano questi speciali approfondimenti alcune gigantografie dell’autore nel suo studio milanese e due fotografie che raffigurano la piazza e il foyer del Mart. Riscoperti nel suo archivio grazie alle ricerche della figlia Susanna, queste immagini inedite non sono legate a una committenza ufficiale, ma realizzate per passione personale durante una vacanza. Berengo Gardin era infatti solito trascorrere dei lunghi soggiorni estivi nelle valli dolomitiche insieme alla moglie Caterina Stiffoni. Il catalogo La mostra è completata dall’omonimo catalogo edito da Contrasto. Un progetto che esplora la triangolazione tra composizione dell’immagine, interesse per l’architettura e indagine degli spazi di vita, con l’intento di suggerire, in modo fluido e osmotico, punti di vista e sentieri paralleli per far emergere i diversi Mondi da abitare. Credits A cura di Micol Forti, Gabriele Lorenzoni, Alessandra Mauro