Ballet national de Marseille Age of Content ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG Age of Content war für (LA)HORDE der Sensationserfolg der laufenden Saison. Die Partnerkompanie von Tanz Bozen für den Dreijahreszeitraum 2022-2024 schickt das Ballet National de Marseille für diese Aufführung in die Welt der Avatare, in die Jugendliche und Kinder mit ihren multiplen virtuellen Identitäten immer tiefer eintauchen. Dem Choreografie-Kollektiv gelingt es, die Generation Z treffend nachzuzeichnen: innerhalb eines rasanten Stücks, das die Grenzen zwischen der echten Welt und einem Videogame zu verwischen scheint. Siebzehn Tänzerinnen und Tänzer stehen in einer rätselhaften Welt plötzlich ihren möglichen alternativen Identitäten gegenüber. Unterteilt in vier schlüssig ineinandergreifende Teile sorgt das 1h20min dauernde Stück Age of Content bis zum Schluss für ungläubige Blicke und offene Münder, wirft Fragen auf und schafft eine Verbindung zwischen den Epochen. In einem imposanten Bühnenbild, das an eine Lagerhalle erinnert, zeichnet (LA)HORDE die Grenzen des Heute nach und bedient sich dafür der Ästhetik des Internets. Von der seltsamen Vertrautheit mit einer Figur aus dem Videogame Grand Theft Auto über einen Mashup auf Tik Tok bis hin zum Minimalismus als „Replikant“ des Dritten Millenniums, benutzt das Kollektiv die Kunst der Choreografie als Instrument, um eine kritische Distanz zu schaffen. Und unterstreicht mehr denn je die Macht der Bühne als Ort, an dem Grenzen überschritten und Zauber gebrochen werden können. Als „Sexy, modern und kritisch“ wurde dieses Werk bezeichnet, das die Sprache der Choreografie in die Soziologie hineinlodern lässt, ausgehend von einem verführerischen Tanz auf dem Skelett eines alten, ferngesteuerten Autos, über die frenetischen Battles von Zockern, die aufs Töten versessen sind, bis hin zu den erotischen und narzisstischen Darstellungen in den neuen Medien.

Difé Kako Kakophonie KOSTENLOSES EVENT Chantal Loïal, Tänzerin, Choreografin und Dozentin für afro-karibischen Tanz, ist Teil der Geschichte von Tanz Bozen. Als heiß begehrte Workshopleiterin war sie oft Mitwirkende unseres Festivals, dieses Jahr kehrt sie nach Bozen zurück, um das große Abschiedsfest zu bereichern. In On t’appelle Venus von Philippe Lafeuille (2011) stand sie bereits auf der Bühne des Stadttheaters, fungierte aber auch als Moderatorin des Bal Konsèr oder der farbenfrohen Tanzparaden durch die Straßen der Stadt. Dieses Jahr lässt sie sich für Kakophonie von „ihrem“ kreolischen Tanz zu einem großen Outdoor-Tanzevent inspirieren, das mit Live-Musik die Nachkommen Afrikas auf allen Kontinenten feiert. Musik und Tanz verschmelzen hier zu einer Hommage an die Kulturen der Welt, um sich gemeinsam zu freuen und die Grenzen zwischen Künstler:innen und Publikum, Bühne und Zuschauerraum niederzureißen. Unmöglich, hier noch die Füße stillzuhalten.

Ballet national de Marseille Age of Content ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG Age of Content war für (LA)HORDE der Sensationserfolg der laufenden Saison. Die Partnerkompanie von Tanz Bozen für den Dreijahreszeitraum 2022-2024 schickt das Ballet National de Marseille für diese Aufführung in die Welt der Avatare, in die Jugendliche und Kinder mit ihren multiplen virtuellen Identitäten immer tiefer eintauchen. Dem Choreografie-Kollektiv gelingt es, die Generation Z treffend nachzuzeichnen: innerhalb eines rasanten Stücks, das die Grenzen zwischen der echten Welt und einem Videogame zu verwischen scheint. Siebzehn Tänzerinnen und Tänzer stehen in einer rätselhaften Welt plötzlich ihren möglichen alternativen Identitäten gegenüber. Unterteilt in vier schlüssig ineinandergreifende Teile sorgt das 1h20min dauernde Stück Age of Content bis zum Schluss für ungläubige Blicke und offene Münder, wirft Fragen auf und schafft eine Verbindung zwischen den Epochen. In einem imposanten Bühnenbild, das an eine Lagerhalle erinnert, zeichnet (LA)HORDE die Grenzen des Heute nach und bedient sich dafür der Ästhetik des Internets. Von der seltsamen Vertrautheit mit einer Figur aus dem Videogame Grand Theft Auto über einen Mashup auf Tik Tok bis hin zum Minimalismus als „Replikant“ des Dritten Millenniums, benutzt das Kollektiv die Kunst der Choreografie als Instrument, um eine kritische Distanz zu schaffen. Und unterstreicht mehr denn je die Macht der Bühne als Ort, an dem Grenzen überschritten und Zauber gebrochen werden können. Als „Sexy, modern und kritisch“ wurde dieses Werk bezeichnet, das die Sprache der Choreografie in die Soziologie hineinlodern lässt, ausgehend von einem verführerischen Tanz auf dem Skelett eines alten, ferngesteuerten Autos, über die frenetischen Battles von Zockern, die aufs Töten versessen sind, bis hin zu den erotischen und narzisstischen Darstellungen in den neuen Medien.

Collettivo Cinetico OMUS. Chiedi alla pelle di rispondere Die vielseitige Tänzerin und Choreografin Francesca Pennini lässt sich nur schwer in eine Schublade stecken. Mit jedem Projekt widmet sie sich einer neuen Mission. Pennini und ihre Kompanie waren bereits mehrmals bei Tanz Bozen zu sehen: Pennini als Solistin in 10 miniballetti, während ihre Kompanie im Sonnenuntergang zwischen den Weinreben von Kaltern mit Dialogo Terzo: In a Landscape von Alessandro Sciarroni auftrat. Für die 40. Festivalausgabe zeigt die Kompanie im Studiotheater die Weiterentwicklung des früheren Projekts Benvenuto Umano unter dem Titel OMUS. Chiedi alla pelle di rispondere. Haut an Haut getanzt, erinnert OMUS an die japanische Sumo-Tradition und entwickelt sich zum Kampfring. Auf der Bühne stehen fünf Tänzerinnen und Tänzer, darunter auch Pennini und Pedroni, die in den Mäandern ihrer Körper nach dem Geheimnis suchen, das Gewalt zu Spiel werden lässt.

Afrovibe Solidarity Entre mes jambes ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG Sie hat ihre fürchterliche Vergangenheit in Kunst umgewandelt: Maryam Kaba, französische Choreografin mit Wurzeln an der Elfenbeinküste und von 2022 bis 2024 Mitglied des Ballet National de Marseille, wurde mit sechs Jahren vergewaltigt. Nun hat sie einen Weg gefunden, das Trauma zu überwinden: mithilfe der befreienden Kraft des Tanzes. Zuerst tanzte sie klassisches Ballett, später widmete sie sich dem afro-brasilianischen Tanz, bei dem ausgerechnet das Becken im Mittelpunkt steht, „jener Teil meines Körpers“, erklärt sie, „der sich, mehr oder weniger bewusst, lange Zeit verschlossen hatte“. 2013 entwickelte sie in Frankreich und Brasilien eine tanzbasierte Fitness-Methode namens Afrovibe, die darauf abzielt, den eigenen Körper zu akzeptieren und zu respektieren. Ihr abendfüllendes Solo trägt den unmissverständlichen Titel Zwischen meinen Beinen. Es ist eine Geschichte der Wut, aber gleichzeitig ein Versprechen an sich selbst, sich nicht von der Gewalt Einzelner oder der Gesellschaft definieren oder unterdrücken zu lassen. Kabas Geschichte lässt uns hoffen, dass der Mensch in der Lage ist, sich zu verwandeln und wieder aufzustehen. Allein auf der Bühne, unterstützt von Video- und Klanginstallationen, lässt sie anhand von Erzählfragmenten ihre verlorene Kindheit vorbeiziehen und versucht, auf einige mit ihrem Trauma zusammenhängende Fragen eine Antwort zu finden. Erst dann kann die Befreiung ihres Körpers beginnen.

Magdalena Mitterhofer, Shade Théret / Sophie Lazari Confessional / Resurrectionem Tarantula URAUFFÜHRUNG Auch dieses Jahr wird es wieder eine enge Zusammenarbeit von Tanz Bozen mit Museion geben: Im Rahmen der Ausstellung RENAISSANCE, die bis zum 1. September 2024 zu sehen ist und Künstlerinnen verschiedenster Sparten zeigt, die ihre kritische Haltung hinsichtlich des kulturellen Erbes und der sozialen und ästhetischen „Normen“ vereint. Zwei dieser Künstlerinnen, Magdalena Mitterhofer und Sophie Lazari bereichern das Festivalprogramm mit ihren Beiträgen Confessional (in Kollaboration mit Shade Théret) und Resurrectionem Tarantula, die sie vor ihren Ausstellungswerken präsentieren werden. Die Arbeiten von Magdalena Mitterhofer und Shade Théret sind an der Schnittstelle zwischen Theater, Film, Performance und Grafik einzuordnen. Ihr Projekt Confessional ist vom Avantgarde-Theater im Italien der 60er und 70er-Jahre inspiriert und lässt den Geist von Giuliano Vasilicò und Pier Paolo Pasolini einfließen. Essenzielle Fragen des Lebens leiteten den Entstehungsprozess: Welche Bedeutung hat die Beichte? Welche Alternativen dazu bietet die heutige Gesellschaft? Wie definieren wir Schuld? Die Erzählung entwickelt sich organisch aus einer anfänglichen Improvisation und zieht ihre Inspiration aus verschiedenen Gedanken und Bewegungen aus katholischen Kirchenritualen. Die Performerin, Illustratorin, Malerin und Tattoo-Künstlerin Sophie Lazari wurde in Bologna geboren und wuchs in Bozen auf. In Resurrectionem Tarantula interpretiert sie das Ritual des Tarantismus neu und verbindet dabei queere Erzählungen mit einer extravaganten Ästhetik. Die Aufführung geht auf den Volksglauben zurück, dass ein Spinnenbiss bei Frauen eine Hysterie auslöst, die nur durch einen vom Tamburin begleiteten Tanz geheilt werden kann: die Pizzica, zu deren Rhythmen Lazari in ihrer Performance die Bewegungen der Spinne und der Frauen nachtanzt. In Zusammenarbeit mit MUSEION

Alessandro Sciarroni U. URAUFFÜHRUNG Der in Paris lebende Künstler Alessandro Sciarroni, einer der ganz großen Namen auf dem europäischen Tanzparkett und bereits mehrmals zu Gast bei Tanz Bozen, ist der einzige italienische Künstler, der bei der Biennale in Venedig (2019) einen Goldenen Löwen in Empfang nehmen durfte. Seinem Interesse an alternativen Kompositionsmethoden und deren Erforschung ist es zu verdanken, dass der traditionelle Schuhplattler mit dem mittlerweile Kult gewordenen Stück FOLK-S will you still love me tomorrow? in die Gegenwart katapultiert wurde. Sein neuestes Projekt, das bei Tanz Bozen zum allerersten Mal zu sehen sein wird, konzentriert sich auf die Ergründung der italienischen Vokaltradition zwischen 1950 und heute. Sieben Sänger:innen/Performer:innen mit unterschiedlichster Gesangshistorie, nach denen Sciarroni in ganz Italien zwei Jahre lang intensiv gesucht hat, erfüllen in U. die Bühne mit einem Wechselspiel aus Gesang und Stille. So schaffen sie eine Stimm-Choreografie, die sich zur Freudenhymne, ja zu einem wahren Konzert aufschwingt, das Sciarroni gemeinsam mit der spanischen Komponistin und Performerin Aurora Bauzà und dem Körper- und Stimmkomponisten Pere Jou inszeniert und kuratiert hat.

Michele Ifigenia Colturi wird nach dem großen Erfolg von Cuma im vergangenen Jahr im Studio des Stadttheaters wieder Gast unseres Festivals sein, diesmal mit einer Site-Specific-Performance im Garten des Hotels Mondschein. Colturi, der eine ausgeprägte Faszination für die Antike hegt, ließ sich für diese jüngste Arbeit von den Baumnymphen der griechischen Mythologie inspirieren: den Hamadryaden. Es handelt sich dabei um geheimnisvolle Wesen, die im Inneren der Bäume leben und mit ihnen sterben, wenn die Bäume nicht gut behandelt werden. So werden sie in der Performance zum Ausgangspunkt einer Reflexion über die Beziehung Mensch-Pflanzenwelt-Natur und über die Idee der Metamorphose, dargestellt von drei Tänzerinnen – Enzina Cappelli, Andreyna De la Soledad und Valeria Petroni– als drei in die Natur eingebettete Figuren, die versuchen, dem Prozess der Veränderung auf den Grund zu gehen. Werden sie mit der Landschaft verschmelzen können und nach dem Vorbild der antiken Baumwesen eine Symbiose finden?

Olivier Dubois / Marie-Agnès Gillot / Haydn Orchester For Gods Only / Sacre #3 URAUFFÜHRUNG Olivier Dubois war bereits an vielen Ausgaben von Tanz Bozen maßgeblich beteiligt. Zum vierzigjährigen Geburtstag des Festivals reist er mit einer Weltpremiere im Gepäck an, die den Titel For Gods Only / Sacre #3 trägt. Es handelt sich dabei um die dritte Etappe des Projekts zu Le Sacre du Printemps von Igor Strawinsky, das 2012 mit dem Duo für zwei Tänzer Prêt à Baiser Sacre #1 begann und 2022 mit Dubois als einem der beiden Tänzer in Bozen zu sehen war. For Gods Only /Sacre #3 folgt dem zweiten Teil Mon Élue Noire / Sacre #2, einem Solo für die afrikanische Tanzlegende und Gewinnerin des Goldenen Löwen von Venedig 2014, Germaine Acogny. Auch in dieser letzten „Episode“ der Tanztrilogie kreiert der französische Choreograf ein Solo, diesmal für die Étoile des Ballet de l’Opéra de Paris, Marie-Agnès Gillot, die nur von den Musikerinnen und Musikern des Haydn Orchesters und den kraftvollen, rhythmischen Klängen von Strawinskys Komposition begleitet wird. Zur Aufführung kommt zu diesem speziellen Anlass die Originalversion des Stücks aus dem Jahr 1913 für ein 95-köpfiges Orchester unter der Leitung von Timothy Redmond, zu der sich Musik aus der Feder von Dubois‘ treuem Wegbegleiter François Caffenne gesellt. Auch wenn sich um die Produktion noch viele Rätsel ranken – schließlich handelt es sich um eine Uraufführung! – kann man den Aufzeichnungen des Choreografen bereits einen kleinen Vorgeschmack entnehmen: „Was ich mir vorstelle, ist Diana auf der Jagd ohne Wild, eine Marilyn ohne Kleid, eine Callas ohne Stimme, ein Samurai, dem die Kriegerehre genommen wurde. Vom Star (Étoile) zum schwarzen Loch: Eine Erzählung unserer Zeit!“

Die junge Künstlerin aus Piacenza tanzte bereits für hochkarätige Künstlerinnen und Choreografen wie Romeo Castellucci, Simona Bertozzi, Ariella Vidach oder das Ensemble Motus, bevor sie begann, sich auch als Autorin auszuprobieren. Ihr großes Talent floss in eine Reihe von Projekten, viele davon Site-Specifics, in denen sie selbst mitwirkte. Das Solo La grazia del terribile entstand im Jahr 2019 und zeichnet den Wandlungsprozess eines Körpers nach, hin und hergerissen zwischen Lebens- und Todestrieb. Rätselhaft und geschmeidig gibt sich Tansinis Körper auf der Bühne der Logik des Fleischlichen hin, blickt in den Abgrund und katapultiert sich zugleich an einen weit entfernten Ort. Sie arbeitet jedes Detail mit großer Akribie heraus, während sich für das Publikum unsichtbar die Lebensenergie um sie herum verändert.

Eingehüllt in luftgefüllte Latexkostüme fallen die in ihrer Rundlichkeit bizarr anmutenden Figuren im öffentlichen Raum „aus der Norm“. Sie tanzen, sie passen sich an Situationen an, erfinden immer neue Posen, je nachdem, wo sie sich befinden und wer sie beobachtet. Die Körper erinnern unweigerlich an steinzeitliche Venusgestalten oder auf Monolithen gemeißelte Figuren, wodurch sie eine fast heilige, Dimension erhalten. Die Städtische Schauspielschule Paolo Grassi in Mailand präsentiert nach erfolgreicher Teilnahme an der Ausschreibung Boarding Pass Plus 2022-2024 des Italienischen Ministeriums für Kultur bereits die zweite Ausgabe des Projekts BeInternational, das sich zum Ziel setzt, die Karriere junger Talente voranzutreiben. Tanz Bozen ist Partnerinstitution des Projekts und zeigt zur 40. Festivalausgabe die vom französischen Choreografen Didier Théron entwickelten Stücke für sieben Künstlerinnen und Künstler der Schauspielschule, die unter dem Titel Sacre studies firmieren, auf der Seiser Alm, im Herzogspark und auf den Talferwiesen.

In Submission Submission dient Bryana Fritz die Literatur des Mittelalters als Inspirationsquelle für dreizehn tänzerische Porträts von weiblichen Heiligen jener Epoche. In Bozen zeigt sie vier davon: Hildegard von Bingen, Katharina von Siena, Christina von Bolsena und Lucia von Syrakus. Einer Hagiologin gleich übernimmt Bryana Fritz die Strategien, die diese mittelalterlichen Heiligen anwandten, um Kontrolle über ihr Leben, ihren Tod und ihre Leidenschaften zu erlangen, um Hindernisse und Einschränkungen zu überwinden. Indem sie ihren physischen und digitalen Körper dem heiligen Echo der Vergangenheit unterwirft, untersucht sie die Werkzeuge der Verkörperung und macht sich diese zunutze. Die Performance wird im Rahmen der Ausstellung Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete im Museion, dem Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Bozen, präsentiert. Sie wurde von Tom Engels und Lilou Vidal in Zusammenarbeit mit Leonie Radine kuratiert. In Zusammenarbeit mit MUSEION

Eingehüllt in luftgefüllte Latexkostüme fallen die in ihrer Rundlichkeit bizarr anmutenden Figuren im öffentlichen Raum „aus der Norm“. Sie tanzen, sie passen sich an Situationen an, erfinden immer neue Posen, je nachdem, wo sie sich befinden und wer sie beobachtet. Die Körper erinnern unweigerlich an steinzeitliche Venusgestalten oder auf Monolithen gemeißelte Figuren, wodurch sie eine fast heilige, Dimension erhalten. Die Städtische Schauspielschule Paolo Grassi in Mailand präsentiert nach erfolgreicher Teilnahme an der Ausschreibung Boarding Pass Plus 2022-2024 des Italienischen Ministeriums für Kultur bereits die zweite Ausgabe des Projekts BeInternational, das sich zum Ziel setzt, die Karriere junger Talente voranzutreiben. Tanz Bozen ist Partnerinstitution des Projekts und zeigt zur 40. Festivalausgabe die vom französischen Choreografen Didier Théron entwickelten Stücke für sieben Künstlerinnen und Künstler der Schauspielschule, die unter dem Titel Sacre studies firmieren, auf der Seiser Alm, im Herzogspark und auf den Talferwiesen.

Eingehüllt in luftgefüllte Latexkostüme fallen die in ihrer Rundlichkeit bizarr anmutenden Figuren im öffentlichen Raum „aus der Norm“. Sie tanzen, sie passen sich an Situationen an, erfinden immer neue Posen, je nachdem, wo sie sich befinden und wer sie beobachtet. Die Körper erinnern unweigerlich an steinzeitliche Venusgestalten oder auf Monolithen gemeißelte Figuren, wodurch sie eine fast heilige, Dimension erhalten. Die Städtische Schauspielschule Paolo Grassi in Mailand präsentiert nach erfolgreicher Teilnahme an der Ausschreibung Boarding Pass Plus 2022-2024 des Italienischen Ministeriums für Kultur bereits die zweite Ausgabe des Projekts BeInternational, das sich zum Ziel setzt, die Karriere junger Talente voranzutreiben. Tanz Bozen ist Partnerinstitution des Projekts und zeigt zur 40. Festivalausgabe die vom französischen Choreografen Didier Théron entwickelten Stücke für sieben Künstlerinnen und Künstler der Schauspielschule, die unter dem Titel Sacre studies firmieren, auf der Seiser Alm, im Herzogspark und auf den Talferwiesen.

In dieser für Kinder konzipierten Arbeit, die auch Erwachsene anspricht, lässt sie sich von den Undici pezzi infantili op. 35 (1920) des Komponisten Alfredo Casella inspirieren, die von der Komponistin und Pianistin Giulia Tagliavia frei bearbeitet wurden. Eine Tänzerin (Camilla Monga) und ihre Schatten zeigen mithilfe von Tüchern und Lichteffekten spielerisch die unendlich vielen Facetten eines Körpers, der sich ausdehnt und vervielfältigt. Ein einzigartiges und mitreißendes Erlebnis für alle Sinne, das die Grenzen zwischen Fantasie und Wirklichkeit, zwischen Musik und zeitgenössischem Tanz verschwimmen lässt. #KINDERAUFFÜHRUNG #LIVEMUSIK

Nacht im Theater mit Tanz-Workshop und Aufführung Theatererlebnis für Kinder: die Nacht im Theater. Kinder von sieben bis elf Jahren dürfen zu diesem Anlass die Bühne und alles, was sich hinter den Kulissen versteckt, erkunden und dann im Schlafsack im Theater übernachten. In diesem Jahr wird es sogar noch einige Highlights musikalischer Natur geben: einen Tanz- und Musikworkshop und am Tag danach die Aufführung des Stücks Riflessi, gemeinsam gestaltet von der Choreografin Camilla Monga und der Pianistin Giulia Tagliavia. Vormerkung an der Theaterkasse in Bozen.

In dieser für Kinder konzipierten Arbeit, die auch Erwachsene anspricht, lässt sie sich von den Undici pezzi infantili op. 35 (1920) des Komponisten Alfredo Casella inspirieren, die von der Komponistin und Pianistin Giulia Tagliavia frei bearbeitet wurden. Eine Tänzerin (Camilla Monga) und ihre Schatten zeigen mithilfe von Tüchern und Lichteffekten spielerisch die unendlich vielen Facetten eines Körpers, der sich ausdehnt und vervielfältigt. Ein einzigartiges und mitreißendes Erlebnis für alle Sinne, das die Grenzen zwischen Fantasie und Wirklichkeit, zwischen Musik und zeitgenössischem Tanz verschwimmen lässt. #KINDERAUFFÜHRUNG #LIVEMUSIK

Ein Quartett in hautfarbener Unterwäsche, das blonde Perücken trägt, erzählt von der Welt der Frau im dritten Millennium. Femina, die jüngste Erfolgsproduktion der Compagnia Abbondanza/Bertoni, bedient sich einer deutlichen Bilderwelt, die sich bereits aus dem lateinischen Titel erschließt. Doch die Distanz zu unseren Vorfahren könnte größer nicht sein: Die Frage, die sich die Autoren hier stellen, ist vielmehr, wie sich die Welt der Frau im Hier und Heute darstellt. Die brisante Choreografie reicht querschnittartig vom Barbie-Ideal bis hin zur Realität des echten Lebens. Das Stück spielt mit Abfolgen und Unterbrechungen, Widerstand und Effizienz. Femina, für dessen Choreografie Antonella Bertoni allein verantwortlich zeichnet, spielt in einem kühlen, zusammenhanglosen Ambiente, das beinahe wirkt wie ein Fotostudio, in dem die marionettenartigen Frauen auf etwas zynische Art, jedoch in stets makellosem Rhythmus, ihr Dasein tanzen. Um es mit den Worten von Michele Abbondanza zu sagen, der für die Dramaturgie verantwortlich zeichnet: „In diesem Raum werden alle möglichen zeitgenössischen Formen und Ausdrücke des Weiblichen und Femininen in szenische Bilder übersetzt.“

In Passage/Paysag trifft Zeitgenössischer Tanz auf das Bratschenspiel von Federica Furlani, die von Synthesizer-Effekten unterbrochen werden. So entsteht ein spielerischer, poetischer Dialog, in dem sich beide Musiker gegenseitig verstärken. Passage/Paysage zeigt eine sich ständig wandelnde Bilderwelt, wechselnde Perspektiven und Zusammenhänge. Dabei interpretieren Camilla Monga und Chiara Montalbani zwei voneinander unabhängige Szenen. In der ersten Szene, Passage, ist die Bewegung wie in einem engen Korridor eingesperrt. Das Duett ist mit einem repetitiven, unaufhörlichen Rhythmus hinterlegt, mit niedrigen Frequenzen und konkreten Tönen. In der zweiten Szene, Paysage (Landschaft), zeigen die beiden Körper zu einer zyklischen Klangkulisse ein Spiel der gegenseitigen Durchdringung, als wäre einer der Körper das Alter Ego des anderen. In Zusammenarbeit mit Cooperativa 19 / Stagione Estiva Don Bosco Im Anschluß Impulsgespräche mit der Choreografin und Dance for Health zur heilenden Kraft des Tanzes. Bei Schlechtwetter findet die Aufführung im Liceo Pascoli in der Deledda-Straße in Bozen statt.

Nach der zeitgenössischen Aufarbeitung von Giselle kehrt die italienisch-spanische Kompanie Kor’sia nun mit einem neuen Stück zu unserem Festival zurück, dessen Inspirationsquelle Francesco Petrarca ist. Ausgangspunkt von Mont Ventoux, Gewinnerstück des Fedora-Van Cleef & Arpels-Preises 2023, ist ein Brief, den der Dichter im Jahr 1336 an einen Freund schrieb. Auf den ersten Blick scheint es darin einfach nur um die Beschreibung einer Bergbesteigung zu gehen, in Wirklichkeit handelt es sich jedoch um eine Metapher, mit der er nach den finsteren Zeiten des Mittelalters die Sehnsucht nach einer Wiedergeburt (Rinascimento) äußert. Mont Ventoux ist ein Stück, das zum Nachdenken anregen soll. Gemeinsam reflektieren die Choreografen Mattia Russo und Antonio de Rosa, im Team mit der Dramaturgin Agnés Lopez Rios, über das Leben, das wir führen, und sehnen sich nach einer Rückkehr zu mehr Wertschätzung für die inneren Werte des Menschen und für unsere Umwelt. Mont Ventoux ist eine Reise in unsere Gegenwart, frenetisch und ungesund, dargestellt von neun Interpretinnen und Interpreten in und um einen von Amber Vandenhoeck gestalteten Glaskasten. Körper, plastisch verzerrt und ineinander verstrickt, kämpfend und weiterziehend, tragen zu den Techno-Rhythmen von Alejandro Da Rocha das Erbe der Jahrhunderte und die Hoffnung auf einen Paradigmenwechsel auf ihren Schultern. Wir weisen darauf hin, dass bei dieser Vorstellung Stroboskoplichter zum Einsatz kommen. Artist Talk im Anschluss an die Veranstaltung.

Die herausragende Tänzerin Claudia Catarzi beschäftigt sich seit vielen Jahren auch mit Choreografie, und kreiert Solostücke, die sie selbst interpretiert, oft zu in Echtzeit komponierter Musik. Im neuen Solostück 14.610 bringt sie das Publikum dazu, den Blickwinkel zu wechseln: Der Körper der Tänzerin bewegt sich auf einer begrenzten Plattform, einer geneigten Rampe, um die herum das Publikum platznimmt. Auf dieser Tanzfläche kreiert sie eine Komposition aus Bewegungen und Gesten. Über das Stück war zu lesen: „14.610 liegt etwas Triumphales zugrunde: Die Befriedigung, ganz oben auf diesem schräg geneigten Plateau angekommen zu sein, als handele es sich dabei um einen Berggipfel, lässt uns erschaudern. Nicht nur, weil man so leicht hinunterfallen könnte, sondern auch, weil der Weg nach diesem Höhepunkt nur noch nach unten führen kann.“

MM Contemporary Dance Company Duo d'Eden, Grosse Fugue, Skrik ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG Die drei Stücke für MM Contemporary Dance Company tragen die Handschrift von Maguy Marin und Adriano Bolognino, einem neuen Stern am italienischen Tanzhimmel. Die Kompanie zeigt das Meisterwerk Grosse Fugue, ein Quartett für Tänzerinnen, das 2001 für die Compagnie Maguy Marin entstand und später für das Ballet de l’Opéra national de Lyon neu inszeniert wurde. Getanzt wird zur gleichnamigen Musik von Ludwig van Beethoven, live vorgetragen von den Solistinnen und Solisten des Haydn Orchesters. Das bekannte Streichquartett aus dem Spätwerk des Meisters mit seinem komplexen kontrapunktischen Aufbau tritt bei Marin in einen Dialog mit vier Frauen, die jeweils damit beschäftigt sind, ein Instrument zu tanzen. Mit zunehmender Dynamik, oszillierend zwischen Begeisterung und Verzweiflung, entspinnt sich ein Tanz voll explosiver Energie und Entschlossenheit.Weiteres Highlight des Abends ist das Kultstück Duo d’Eden, ebenso aus der Feder von Maguy Marin, in dem Adam und Eva, beide noch sehr jung, einander entdecken, in einen Dialog treten und schließlich in einem raffinierten, schwebenden Tanz untrennbar miteinander verschmelzen. Zum Abschluss zeigt die Kompanie das Ensemblestück Skrik von Adriano Bolognino, in Anlehnung an das berühmte Gemälde Der Schrei (Skrik auf Norwegisch) von Edvard Munch, in dem die Panik des auf dem Porträt dargestellten Mannes die Landschaft ringsum zu verzerren scheint. Diese Haltlosigkeit und Furcht bringen die zehn Tänzerinnen und Tänzer in einer dichten Choreografie zum Ausdruck.

Die Tanzperformance das Bangkok City Ballet mit live gespielter Musik des bekannten Oboisten und Komponisten Arnaldo De Felice trägt den Titel Medusa und begibt sich auf die Spuren der gleichnamigen Figur aus der griechischen Mythologie. Ausgangspunkt für De Felices Komposition ist eine frühere Arbeit über Medusa für Solooboe, die der Komponist um Klavier, 2 Marimbas und Schlagwerk sowie eine Sopranstimme erweitert. Mit ihrem Tanz zeigt die thailändische Tänzerin und Choreografin Paengpim Somjai eine Interpretation der mythologischen Figur zwischen Licht und Schatten. Sie verkörpert damit das Prinzip der Dualität des Lebens: Tag und Nacht, Sonne und Mond, Freude und Traurigkeit. In Zusammenarbeit mit dem Konservatorium C. Monteverdi Bei Schlechtwetter findet die Aufführung im Stadttheater (Studio) statt.